Mehr Gitarrenwechsel als Sonic Youth.

„Wir sind Jochen Distelmeyer“ sagt Jochen Distelmeyer im Laufe des Konzerts. „Und das nächste Stück heißt:“ Weiter im Text. Ein Konzert, das in gewisser Weise in den 90ern stattfindet – Distelmeyer ignoriert das Rauchverbot, im Publikum wird das Rauchverbot ignoriert, Hauptsache, die Gitarre produziert ein lautes Feedback. Das Publikum besteht zu gefühlten 80 Prozent aus Männern, eine neue „Fanbase“ hat das Solo-Album dem Eindruck nach nicht erschlossen. Es sind dennoch nicht nur die „alten Hits“, die für Begeisterung sorgen – dafür sind gute Distelmeyer-Songs einfach zu „gut“.

Wenn einmal die Geschichte des deutschsprachigen Abschiedsliedes geschrieben worden ist, dann ist „Nur mit Dir“ darin entweder ein Ehrenplatz eingeräumt worden – oder es ist ein Werk geworden, das seiner Aufgabe nicht gerecht wurde. Distelmeyer hat viele großartige, bewegende Songs geschrieben, aber mit „Nur mit dir“ hat er sichergestellt, dass die Zeit nach Blumfeld nicht nur seine Frank Black-Phase ist, sondern eher seine Robbie Williams-Zeit. „Nur mit dir“ ist vielleicht nicht „Angels“, aber schon „Eternity“ – und dann gibt es da ja auch noch „Murmel“. Die beiden Songs alleine rechtfertigen dieses Konzert, rechtfertigen den Eintrittspreis, die Anreise, die Wartezeit. Allerdings nicht die T-Shirt-Preise: 20 €? Junger Mann, das wäre selbst dann nicht gerechtfertigt, wenn Ihnen was total Flottes eingefallen wäre. Für 10 € hätte ich das „heavy“ World Trade Center gekauft, aber nicht für das Doppelte. So bleibt ein Konzert, das auch bei Distelmeyer wohl Spuren hinterlassen mag, denn die letzte Zugabe („Old Nobody“) wirkte wie eine _wirkliche_ Zugabe, wie ein Tribut an die Begeisterung, die Songs wie „Status: Quo Vadis“ und „Pro Familia“ entfachten. Und eben auch „Murmel“ und „Nur mit dir“: Die neuen Stampfer bringen uns nicht weiter, wer hat das Taschentuch?

Trotzdem: Eine Fussnote zur Geschichte von Blumfeld wird die Existenz als Individuum bleiben, wenn der eigentliche Kulminationspunkt so etwas wie „Pro Familia“ bleibt. Verjüngt sich eigentlich im Fluchtpunkt. Regen oder nicht. Mein eigenes T-Shirt: Die Welle von „Nowhere“. Die 90er, die Wohlfahrtsausschüsse, der Gedanke, es könnte anders kommen können. Jetzt bleibt: Dancing Barefoot. Und mehr Gitarrenwechsel als Sonic Youth, Distelmeyer wechselt ca. nach jedem Lied die Gitarre. Weil: Warum nicht.

Harmony kills the most dedicated star

Ich halte ja nun einiges an Harmonie und Wohlgefallen aus. Aber an einem Sonntagabend an einem kalten Berliner Herbstabend muss es etwas mehr sein als nur Harmonie, Schönheit und Sonnenuntergänge in Zeitlupe. Bzw. deren akustisches Gegenstück. Allerdings ist das alles, was Trespassers William zu bieten haben. Und: es reicht nicht.

Support your artist, Respect your audience.

The adventure of music is a dialogue between artist and audience. The artists performs, the audience appreciates. But what if the artists performs an act of self-loathing that distracts the audience from the music? Well, then – somebody has a problem.
I‘ve been following the art of Mark Eitzel since, um, 1994. I‘ve been a fan. I‘ve travelled to places as „exotic“ as Brussels and Frankfurt and Bochum just to see him perform. I also saw him in actual cities like Köln and Berlin. Unfortunately, he wasn‘t up to it in Berlin, at least not this time around. He walked onto the stage like someone who didn‘t want to be there. It is understandable, in a way: The stage of the somewhat pretentious Café Zapata is not where Mark Eitzel should be performing. He should be performing at the Berlin equivalent of Brussels‘ La Botanique – whatever that might be. But he‘s not, and there are reasons. One reason is: He‘s grown old, but refuses to acknowledge that. That‘s the saddest thing about his performance: His voice brings shivers down your (my) spine as he hits those sad and lonely notes, but when he makes those lame and tiring comments about sexual encounters, you can‘t help but think – all that self-deprecating humor really lost its shine. But the songs still shine. Kathleen is ever present, with „Why won‘t you stay“ being an early highlight of the set. Yet there is no confidence in Eitzel‘s moves, sometimes sitting down a chair to sing – which might be what lead him here, a sad performance to about 70 to 80 people in an „alternative“ venue instead of a full house with a suitable stage. His songs shine, his voice is compelling. He goes from belting out to caressing the low notes effortlessly and when you get the chance to listen, you know that lives can be changed by these songs.

But just as he gets distracted by random noises from the audience, he distracts the audience from his songs, constantly explaining how badly he sucks. In previous shows, he would stop a song like „The thorn in my side is gone“ when something didn‘t seem or feel right. And start again and deliver a heartbreaking rendition. This time, he goes through the motions, wastes the song and can‘t leave the stage quickly enough. At one point, he put gaffer tape over his eyes and mouth, promising it would improve the show. It, quite naturally, didn‘t. So in the end, he needs to respond to my shouted request to „respect your audience“, which certainly seemed to strike a note with Marc Capelle who tried his best to keep Eitzel on track the whole night. Indeed, Eitzel did respond by saying that he respected his audiences, but that there were some „fuckers“ here who he wishes would just go and leave. Objectively speaking, it‘s hard to tell who those people could‘ve been. There did not appear to be anyone there that night who didn‘t want to be there and wasn‘t prepared to enjoy and appreciate the art of Mark Eitzel. With the exception of Eitzel himself.

Twee as Camera Obscura.

Diese Musikrichtung hat den Hass und die Verachtung, die beispielsweise der leider verstorbene Steven Wells über sie ausschüttete, vollauf verdient. Dieser in Harmoniesucht ertrinkende Wunsch, nirgendwo anzuecken, der doch das Recht auf Traurigkeit verteidigen zu wollen scheint, das fordert den Widerspruch zurecht heraus. Solcherlei zuckersüße Lieblingsmusik hat ca. keine Daseinsberechtigung. Aber man kann sich ja nicht immer mit solchen prinzipiellen Dingen aufhalten, man muss auch mal auf‘s „Herz“ hören.
Das „Herz“ sagt schon manchmal seltsame Dinge. „Ja, Lloyd, ich bin jetzt bereit, mir das Herz brechen zu lassen.“ „Eine Woche in einer verstaubten Bibliothek, darauf wartend, dass die Worte mich anspringen.“ „Lass uns dieses Land verlassen, ich gebe zu, ich langweile mich so mit mir.“ Dazu adrett aussehen, ein kleines bisschen Schüchternheit zum Kokettieren. Das Absurde ist, dass dies alles letztlich sogar wirklich gefallen kann, selbst wenn es von Vornherein auch auf nichts anderes ausgerichtet war. Den wahren Herzschmerz gibt es hier nicht, über den wird nur gesungen. Aber das schon schön. Twee as Camera Obscura. Twee as Fuck.

Juli Zeh ist 1 Popstar.

Das mit dem Singen bekommt sie hin. SIe sieht gut aus, auf der Bühne. Sie hat Ausstrahlung. Sie geht gut mit Worten um. Aber: Reicht das? Genau da liegt das Problem. Die aktuelle „Schall-Novelle“ „Corpus Delicti“, die Juli Zeh zusammen mit Slut auf Tonträger und auch die Bühnen der Republik bringt, ist genauso gut wie sie gut gemeint ist und heutzutage sollte bekannt sein, dass dies Gegensätze sind.

Das Gute ist: Aus „Corpus Delicti“ spricht eine kompromisslose Haltung, die uns allen gut täte. Aber die Umsetzung dieser Haltung ist von einer gewissen Beliebigkeit, die kaum mitreisst. Irgendwann in der Oberstufe hat vermutlich jeder zweite Gymnasiast, der was auf seine künstlerische Ader gab, mit der ordentlich betroffenen Vertonung von literarischen Texten experimentiert. Und das ist das Schlechte: „Corpus Delicti“ ist nicht an allen Stellen weit genug davon entfernt, einen solchen Eindruck zu machen. Ob das die bedeutungsschwangeren Pausen, die nur leidlich originellen Klangwelten, oder auch die doch bisweilen klischeehafte Verbindung von Wort und Ton sind – vieles ist so offensichtlich gut gemeint, dass es doch schade ist, dass es nicht besser ist.

Denn das Zusammenspiel auf der Bühne, die jedenfalls in Berlin durchaus merkbaren technischen Probleme mal außen vor, zwischen Slut und Juli Zeh funktioniert schon. Es entstehen vereinzelte Momente, in denen angedeutet wird, was hätte sein können. Einige Songs funktionieren, vielleicht könnten sie sogar für sich stehen. Aber selbst als Slutgutfinder fällt es leicht zu sagen, dass die Songs jetzt keine wesentlich bemerkenswerte Erweiterung des Slut‘schen Oeuvres darstellen. So dass das Experiment insgesamt zwar sicherlich feuilletonkompatibel, aber leider nicht überzeugend ist

It’s not enough to have all the right ingredients.

 

I really want to like Asobi Seksu. I want to like them so much that for a brief moment some time ago, I actually did. And I still want, if only because I like the shirt I have of theirs so much. Dream pop universelle. That‘s good. Unfortunately, their music only too rarely actually fulfils that promise. Witness tonight‘s show: They have a reasonably good drummer laying a solid foundation, a snappy bass that sometimes even grooves. They have a cute chick singer who does the ethereal wailing pretty well and they have, in theory, a huge enough wall of sound from the guitarist. But it‘s not enough to know the formula – you also have to know how to use it. Songs like “Familiar Light” and “Nefi + Girly”show that sometimes, Asobi Seksu do. 

But the way they insist on playing the game also shows that they don‘t really understand it. They repeatedly end very unremarkable songs in the pointless cacophony of white light and white noise that long ago ceased to be rebellious. Yes, My Bloody Valentine still do the twenty minute “holocaust”, but it‘s bloody boring is what it is. And same goes for Asobi Seksu: If you have to come back out from backstage (because you can‘t go anywhere backstage) for an encore nobody had the chance to cheer for cos your amp was feedbacking so loudly, then it‘s really not that graceful if you end up doing that twice. Because you have nowhere else to go. Maybe that‘s why they‘re doing this. Maybe they have nowhere else to go. Their music, at its washed out worst, drowning in echo and feedback, sounds that way. Fortunately, there are those moments when it‘s all so much better. Tonight wasn‘t one of them.

6 Million Germans

Der Song, keine Frage, ist großartig. Er steht in einer Tradition großer, erzählender Folk-Songs, “And The Band Played Waltzing Matilda”, vielleicht, “Thousands Are Sailing” oder “A Pair Of Brown Eyes”, “Shipbuilding” womöglich, oder “Ironmasters”. Gut, das sind halt meine Bezugspunkte, Daniel Kahn mag sich eher (auch) in einer Tradition mit Bertolt Brecht und/oder Tom Waits sehen – was nicht schlimm ist, auch dieser Schuh passt. In “6 Million Germans” erzählt Daniel Kahn die Geschichte von Abba Kovners Racheplan, dem Plan, 6 Millionen Deutsche als Vergeltung für die getöteten Juden Europas umzubringen. Es ist eine Geschichte, die erzählt werden soll und sie findet in dieser Form auch eine würdige Repräsentation. Dennoch begegne ich diesem Phänomen mit Skepsis. Dass Daniel Kahn auf der Bühne steht und nach dem Song sagt, “Hm, das Lied kommt in Deutschland immer besonders gut an – ein seltsames, selbsthassendes Volk” ist das eine. Dass sich, wie beim Konzert im Grünen Salon an der Volksbühne, genügend Leute diverser Herkunft finden, die die Faust reckend “6 Million Germans” skandieren, ist das andere. 

 

Daniel Kahn hat diesen Song vermutlich in Deutschland geschrieben, im Booklet zur CD jedenfalls wird “Macht kaputt was euch kaputt macht” zitiert. Es spricht natürlich auch nichts dagegen, diesen Song in Deutschland zu schreiben oder aufzuführen, aber es mutet andererseits schon befremdlich an: Meine erste Begegnung mit dem Song war auf einer Ausstellungseröffnung in der Oranienburger Straße, Fotos aus Israel, aus den besetzten Gebieten, israelische Soldaten, mitten in Berlin. Dazu ein “junger” Amerikaner, der alternierend zwischen jiddisch, englisch und deutsch dann  irgendwann diesen Song über 6 Millionen tote Deutsche sang. Um mal ein Bon Mot, das derzeit die Runde macht, zu paraphrasieren: Er ist Jude, er darf das. Klar, man darf das dürfen. Aber spielt es nicht, jedenfalls hier in Berlin, einer Distanzierung zu, die vielleicht deutlich weniger akzeptabel ist? Wir können hier “6 Million Germans” rufen und uns damit selbst reinwaschen – wir sind aufgeklärt, wir gehören nicht dazu. Aber wir gehören dazu. Und so hat es etwas seltsam schulterklopfendes, aber auch einfach nur etwas seltsames, diesen Song so zu hören. Es wirkt, aber es wirkt auch irgendwie aufgesetzt. Vielleicht ist es auch nur ein erfolgreiches Spiel mit meiner Erwartungshaltung, das ich dem Songschreiber und seinem Publikum ein wenig übel nehme.

Dance Dance Dance

 

I don’t “do” modern dance. That’s more appropriate than saying I don’t “get” modern dance, because art is supposed to appeal to you (or not), speak to you (or not), you don’t need to “get” it. So, by saying I don’t “do” modern dance I am trying to say that I don’t normally go and don’t normally have much of an opinion on it, consequently. However, I recently went. And except for the fact that it went on too long (same thing happens at most gigs I go to), I quite enjoyed it.

Three different pieces, the third of which only made me sure I was watching art, walking the fine line between chaos, contortion and choreography (it’s a better alliteration than it is a good description), and sometimes crossing that very line in all directions. Was the German premiere, though. And now for the other two.

First up was a piece called “Constant Speed”, set to what I thought was cinematic soundtracks from Hollywood’s Golden Age, but actually turned out to be music by Franz Lehar, classical composer of mainly operettas. It was just as fitting. Alternating between playful and athletic, ballet and sports, serious and almost comedian/slapstick-moves, the dancers formed an ever-changing sea of colours. Their moves were quite distinctively not always in synch, which, given that this was a rather high class performance by the renowned Rambert Dance Company, was rather odd. It got better as the piece progressed and didn’t detract from the overall pleasantness of the performance, but odd nevertheless.

The second piece was Swansong, apparently a classic of modern dance, first performed in 1987. Which was the piece’s strength and the piece’s problem. Whereas the other two pieces had scores of dancers appearing and constantly disappearing, this one featured only three (male) dancers, or, rather, performers. And they told the story of one man’s fight with the powers that be, represented by two men in army uniform. Held in interrogation, he is forced to confess but fights back at first, clinging to his chair that becomes his refuge and weapon, a weapon that ultimately he will die by. The two guards dance their threats in dialogue and synch. They reduce their victim to a man who wants to hold on to the clown nose they forced on him and experiences its loss as if a shield is taken away. Set to Eighties music and sometimes performed without music, the piece aims to be a statement on political prisoners. While probably more or less unchanged since the Eighties, right from the opening Guantanamo comes to mind. Again – the piece’s strength and its problem.

At the core, it is as dated as it actually is. It has nothing to say about the boundaries crossed since its original performance and while Guantanamo might be the reason why it is being performed again, it visually remains in the black and white world of torturer and victim. As a statement in the current days of blurred boundaries, this is something of a cliché. It is a powerful cliché and it might be that this is the piece’s strength. In the olden days, it might have been easier to just take it at face value and nod emphatically, “yes, bad, bad”, but these days it might spark dialogue, exactly because it feels lost in time.

The Invention of Peace

An unfinished project.